In den letzten Monaten habe ich 15 israelischen Künstlern die gleichen drei Fragen gestellt und war erstaunt über die Vielfalt der Antworten.
Während einige Künstler nach Originalität streben, beweisen andere, dass dies nicht die Essenz von Kreativität und Arbeitsmotivation ist. Einige erwähnen immer noch bewusst ältere Künstler, zitieren ihre Arbeitsweise, verleihen dem Werk aber eine persönliche Note.
In der jahrtausendealten Kunstgeschichte war Originalität nicht immer ein wesentlicher Erfolgsfaktor. Allerdings kennen wir alle die Gemälde von Rembrandt oder Monet, nicht die Künstler, die ihrem Stil folgten.
In dieser Kolumne versuche ich, Künstler auszuwählen, deren Werke überleben, beim Publikum hängen bleiben und deren Kunst unsichtbar bleibt, selbst wenn sie einmal gesehen wird.
Drei Künstler erklärten sich bereit, meine drei Fragen zu beantworten:
1. Was inspiriert dich?
2. Wie nennt man Kunst?
3. Was unterscheidet Ihre Werke Ihrer Meinung nach von den Werken anderer Künstler?
Yossi Mark
Yossi Mark studierte Philosophie und Sozialwissenschaften an der Universität Tel Aviv und Malerei am Avni-Institut. Er wurde 1954 geboren und lebt und arbeitet in Petah Tikva. Der Künstler, der seine Arbeiten in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen gezeigt hat, ist Gründer, Lehrer und Direktor des Visual Arts Institute am Petah Tikva Art Museum.
Er wurde 2010 mit dem Visual Arts Award des Ministeriums für Kultur und Sport ausgezeichnet; Preis des Ministeriums für Kultur und Sport für visuelle Künste 2017; und der Schiff-Preis 2024 für figurativ-realistische Kunst im Tel Aviv Museum of Art am 24. Juni. Der aus mehr als 160 Künstlern ausgewählte Preis beinhaltet ein Stipendium in Höhe von 10.000 US-Dollar und eine Einzelausstellung im Tel Aviv Museum of Art, die für 2025 geplant ist.
Auszüge aus den Leistungen des Künstlers lauten wie folgt: „…ehemaliger und geliebter israelischer Künstler. Seine Arbeit kombiniert den fesselnden Look völliger Kontrolle mit dem introvertierten Look von seltenem Bleistift, Acryl und Öl und bietet so ein fesselndes Erlebnis.
Plaudern mit TäglichMark erklärte, dass er sich sehr für die Technik der alten venezianischen Meister interessiert. Der einzige Unterschied: „In der zweiten Phase des Gemäldes verwenden sie Tempera und ich verwende Acryl. Aber ich beginne wie sie zu zeichnen. Dann wird es durch Schichten aus Acryl und Öl dargestellt. Sein Ziel ist es, einen relativ transparenten Effekt zu erzielen.“ Mark hält seine Werke monochromatisch.
Er ist bekannt für seinen zutiefst humanistischen Ansatz und seine große Integrität. Jedes Gemälde erfordert monatelange Arbeit. Aus Beobachtungen zieht er anschauliche Zahlen. Mark untersucht sein Modell mit mikroskopischer Aufmerksamkeit. Es misst jeden Millimeter der Form und die Messmarkierungen erscheinen in der fertigen Zeichnung.
Mark ist auch in seinem Lebensstil traditionell; Er hat keine Website oder Instagram. „Ich versuche, digitale Verbindungen so weit wie möglich zu vermeiden. „Ich bevorzuge persönliche“, erklärte er mir. „Ich habe kein Mobiltelefon. „Ich benutze jetzt meine Frau, weil ich die Auszeichnung bekommen habe und die Leute mich anrufen.“
INSPIRATION: „Ich fühle mich zu intimen, nicht inszenierten Momenten hingezogen. Diese ruhigen Episoden der Reflexion konzentrieren sich auf einen ruhigen, gesammelten Raum, der zur Selbstbeobachtung einlädt. Sie sind Einblicke in eine einfache, nackte Existenz.“
„Gleichzeitig inspirieren mich die Werke der großen Meister der Vergangenheit und Gegenwart: Giovanni Bellini, Andrea Mantegna, Caravaggio, George de La Tour, Edward Hopper, Andrew Wyeth und andere.
„Sie fangen lebendige visuelle Erlebnisse ein, die ein Gefühl der Unmittelbarkeit fördern, verbunden mit poetischer und spiritueller Betrachtung der Existenz, des Wesens und des menschlichen Daseins.
„All diese Elemente – intim, introspektiv, Echos der Meister – entfachen meine visuelle Aufmerksamkeit und drängen mich zur Konzentration. Sie sind die Katalysatoren, die meinen kreativen Prozess in Gang setzen.“
DIE BEDEUTUNG VON KUNST: „Für mich ist Kunst ein Lebewesen, das versucht, tiefe Spiegel zu schaffen. Sie lädt den Betrachter auf eine tiefe Reise ein, die seine Sinne, Emotionen und Intelligenz aktiviert und gleichzeitig ein harmonisches Gleichgewicht zwischen Form und Inhalt herstellt. Bei der Kunst geht es darum unsere Art, Dinge zu erkennen (Erkenntnistheorie), die Natur der Realität. Sie fungiert als Brücke zwischen (Ontologie) und gelebten Erfahrungen (Phänomenologie). Das ständige Abenteuer des Künstlers ist seine Konfrontation mit der Realität, sein Versuch, sie einzufangen und sie dann als seine eigene umzugestalten eigene Realität.
„Bildende Kunst gedeiht, wenn die Vision über die Wahrnehmung hinausgeht, und im besten Fall hat ein Kunstwerk eine transformative und evokative Kraft, um das Bewusstsein des Betrachters zu verändern.“
„Erst dann wird es zu einem erwägenswerten Werkzeug.“
MARK’S ART: „Meine Arbeit basiert auf Realismus, der Beobachtung und Reflexion der Realität, vermeidet aber bewusst die oberflächliche Nachahmung bloßer Illusion. Dies unterscheidet sich vom allgemeineren Ansatz vieler realistischer Künstler. Ich verwandle die empirische Realität in eine formale Anordnung von Linien, Tönen und Formen im direktesten visuellen Sinne. Durch den sparsamen Einsatz von Farbe betone ich die morphologischen und tektonischen Aspekte des Motivs. Mein Prozess ist bewusst und langwierig und hinterlässt Gerüstspuren, die die Grundlage des gesamten Bildes bilden. Diese Markierungen sind als Unterkonstruktion in der endgültigen Zeichnung sichtbar. Dieser Ansatz zielt darauf ab, das Bild zu verdichten und zu destillieren.
„Ein weiteres charakteristisches Element meiner Arbeit ist der Dialog zwischen Geschichte und Sprache. Die Figuren in meinen Bildern strahlen mit ihrem Gesichtsausdruck, ihrem Aussehen, ihrer Körpersprache und Haltung Mitgefühl, Wärme und Empathie aus. „Es spiegelt das existentielle Denken wider, das meiner Arbeit zugrunde liegt.“
Der Künstler hat keine Website, siehe: chelouchegallery.com/artists/yossi-mark/
Gili Avissar
Die 1980 in Haifa geborene multidisziplinäre Künstlerin Gili Avissar erhielt ihren BFA und MFA an der Bezalel Academy of Art and Design in Jerusalem. Sie kreiert großformatige Textilinstallationen, Skulpturen, Performances und Videos.
Nachdem er mehr als 20 Jahre in Tel Aviv gelebt und gearbeitet hatte, entschloss er sich vor zwei Jahren, in seine Heimatstadt zurückzukehren und eröffnete dort kürzlich seine Einzelausstellung Pardes. Hecht-Museum, an der Universität Haifa. Er nutzte die Fläche des archäologischen Geländes (750 m2) als Atelier und bereitete das Spiel mehr als zwei Monate lang vor. Avissar liebt es, Ausstellungsräume in ihre Kunst zu integrieren.
Seine Werke sind intensiv, farbenfroh und sehr lebendig. Der Künstler sammelt Reste von „allgegenwärtigen“ Materialien wie Stoff, Papier, Holz, Pappe und Kunststoff. Er erschafft neue Objekte, indem er ihnen Formen gibt.
Betrachtet man seine Installationen, wirken sie wie ein Dialog zwischen Objektkreation und Performance. Avissar arbeitet gerne mit Künstlern aus verschiedenen Disziplinen zusammen, darunter auch Tänzern. Es enthält auch Modeelemente, die an ihre frühere Ausbildung erinnern (als Teenager studierte sie Mode an einer Kunsthochschule in Haifa). Obwohl er keine Karriere als Modedesigner verfolgte, hinterließ er in seiner Kunst Spuren. Sie nutzt Textilien und ihren eigenen Körper und trägt diese häufig im Rahmen ihrer Installationen und Performances.
In ihrem Interview mit dem Magazin gab sie auch zu, dass sie gerne Events und Modenschauen auf dem roten Teppich sieht, sagte aber: „Ich habe meine Freiheit in der Kunst gefunden.“
Avissar ist Träger des Young Artists Award des Ministeriums für Kultur und Sport (2012); Preis der Rabinovich Art Foundation (2012, 2010) usw. Seine Kunst wurde in vielen Museen und Galerien in Israel, Deutschland, der Tschechischen Republik (Tschechische Republik) und den Vereinigten Staaten ausgestellt.
INSPIRATION: „Inspiration ist überall, oder besser gesagt, ich verwende das Wort ‚Motivation‘. Was bewegt Sie zum Handeln und Schaffen? Die angespannte Situation in Israel bewegt mich, die Beziehungen zwischen den Menschen bewegen mich. Das Wort „Inspiration“ klingt einfach nach schönen Dingen , und die Leute sagen dir, es kann dich dazu inspirieren, Kunst zu schaffen, aber das Gegenteil ist auch der Fall. Vielleicht machst du es schön, indem du aus dem Hässlichen erschaffst.“
BEDEUTUNG VON KUNST: „Normalerweise bezeichne ich Dinge, die weit außerhalb des Museums- und Galerieraums liegen, als Kunst (Objekte), weil Kunst für mich außerhalb existiert.“ Ich genieße es, alles zu betrachten, was die Welt zu bieten hat, sei es die Natur oder die Menschen. „Ich sehe oft echte Kunst in der Natur und frage mich, wie diese Dinge hergestellt werden, wer sie herstellt und wer der Künstler ist.“
AVISSAR’S ART: „Es fällt mir schwer, mich und meine Kunst von anderen zu trennen. Als Künstler arbeitet man jeden Tag in einer sehr einsamen Umgebung, ist aber auch Teil einer Künstlergemeinschaft. Sie bauen Beziehungen zu dem auf, was Sie um sich herum sehen. Sie mögen sich einzigartig fühlen, aber Sie sind Teil von etwas Größerem. „Ich habe das Gefühl, dass sie beide unterschiedlich, aber sehr ähnlich sind, und da herrscht eine echte Spannung.“
www.instagram.com/giliavissar/
Tal Shosan
Der Bildhauer, Performancekünstler und Maler Tal Shoshan wurde 1969 in Haifa geboren. Nach seinem Militärdienst zog er nach Jerusalem, London, Tel Aviv und Ramat Gan und ließ sich dann vor 12 Jahren in Givatayim nieder.
Shoshan hat einen BA in Schmuck und Bekleidungsaccessoires von der Bezalel Academy of Art and Design und einen MA vom Wimbledon College of Art, London. Von 2007 bis 2014 leitete er den Bereich Bekleidung und Accessoires in der Designabteilung des Shoshan Kibbuzim Seminars. Der Künstler, der das Mifal HaPais-Stipendium (2017) und den Handler-Preis (2014) gewann, hat an zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen in Israel und im Ausland teilgenommen.
Als Bildhauerin arbeitet sie mit verschiedenen Textilien und bezieht sich in den Inhalten ihrer Kunst auf Literatur und Natur. Weiche Materialien werden verwendet, um dem Publikum oft schwierige Botschaften zu vermitteln. In seiner neuesten Ausstellung Over Night Chelouche-GalerieEr benutzte Badetücher, um Skulpturen anzufertigen. Es zeigte sich, dass alles vorübergehend ist. Einzelzelt. Das Lagerfeuer blieb. Schlafsack. Große Samenschale. Objekte sind temporäre und fragmentierte Spuren einer einst soliden Erzählung.
„Ich erschaffe Landschaften, die vom Persönlichen bis zum Universellen reichen, von persönlichen Ikonen bis hin zu den gewalttätigen, verstörenden Umgebungen, denen wir in unserem täglichen Leben begegnen“, sagte er. Täglich.
INSPIRATION: „Ich lasse mich von allem inspirieren, was mich umgibt: ein Satz, der in meinem Kopf spielt und den ich nicht loslassen kann, ein Blatt, das zu Boden fällt, das Hemd meines Sohnes, das er im Schrank vergessen hat, der kreative Akt von jemandem, der mir am Herzen liegt.“ um. . , alle Arten von Karten und verschiedene Materialien. Die stärksten Inspirationsquellen sind Themen, die mir auf persönlicher, politischer oder sozialer Ebene Unbehagen und Konflikte bereiten, die mich ins Studio verfolgen und mich zu einer Reaktion zwingen. „Die beständigste und beständigste Quelle meiner Inspiration sind meine Begegnungen mit der Natur und dem menschlichen Körper, die zu einem integralen Bestandteil meiner künstlerischen Sprache geworden sind.“
DIE BEDEUTUNG VON KUNST: „Ein gutes Kunstwerk basiert nicht auf Worten und Schriften. Es soll Ihre Emotionen wecken, Sie bewegen, einen Dialog mit Ihnen herstellen. Die Worte kommen später.
„Kunst ist für mich eine Gelegenheit, das Außergewöhnliche und Außergewöhnliche der menschlichen Kreativität und Schöpfung zu erkennen; Es weckt in mir die Lust zu essen, zu denken, zu fühlen oder zu berühren. Es wird weiterhin in meinem Kopf spielen und etwas davon wird bleiben, auch wenn es nur ein kleiner Teil davon ist. Das fast unsichtbare Teilchen wird weiterhin mit mir gehen.
SHOSHANA ART: „Ich habe in den letzten zehn Jahren herausgefunden, dass mich die Suche nach einer materiellen Sprache, die die Idee, die ich entwickelte, am besten zum Ausdruck bringt, am meisten fasziniert. Mein Arbeitsprozess ist langwierig und abwechslungsreich, aber das Prinzip ist im Großen und Ganzen dasselbe; Leidenschaftlich auf der Suche nach der passenden Bildsprache. Dieser langsame Prozess ermöglicht es mir, genau herauszufinden, was als visueller Anker dienen kann.
„Die Enträtselung der materiellen Sprache erfordert einen langen, langfristigen Forschungsprozess, bei dem neue Materialien kombiniert, getestet und manipuliert werden und nach Beziehungen und Aktionen gesucht wird, die sie beeinflussen oder verändern können, wie etwa Spalten, Benetzen, Nähen, Erhitzen.“
„Material ist nicht weniger wichtig als der Umgang mit Formen und Ideen; es kann zum Kern einer Idee werden.“
www.talshoshan.com/
